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Mes: mayo, 2012

Arturo Elena

Arturo Elena gusta, por eso esta entrada es obligatoria. Demasiado estaba tardando en hablar de él. Este aragonés comienza a trabajar en el mundo de la moda en 1980, cuando las firmas españolas Bambú y Daniel G lo contratan como asistente de diseño. Algunos años después es descubierto por Victorio & Lucchino, y Arturo consigue demostrar su increíble talento con unas ilustraciones impecables. A raíz del trabajo realizado con los diseñadores, llegan los proyectos de las revistas Cosmopolitan y Telva, y posteriormente las colaboraciones con firmas como Roberto Verino, Chanel y Loewe.

Arturo ha ido descubriendo y desarrollando su propia técnica (a partir del rotulador), por eso no es de extrañar que el Instituto Europeo di Desing de Madrid y Barcelona lo contratase para impartir clases de ilustración.

De sus ilustraciones podemos decir que Arturo Elena combina el realismo de tejidos y movimientos con un alargamiento exagerado de la figura, pero siempre consiguiendo la proporción y la armonía. Mezcla de luz y sombras, color y acabados impecables.

El pasado septiembre pude acudir a la Madrid Fashion Week, donde se expusieron algunas de sus ilustraciones para la firma de relojería Audemars Piguet. Esta en concreto es una de las que más me gustaron.

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Aquí os dejo una entrevista realizada por Canal ZTV al ilustrador. Ojalá algún día en Couture on Paper podamos contar con un privilegio así.

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Siempre un placer

Da igual cuantos trabajos tengamos que entregar y que los exámenes estén a la vuelta de la esquina. Para dibujar siempre hay tiempo.

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¡Espero que os guste!

Entrevista a Marta Guillán

En Couture on Paper hemos tenido el placer de poder entrevistar a Marta Guillán, una joven diseñadora e ilustradora que nos deleita con su trabajo en el blog El rincón de Guilli. Su interés por la moda y la ilustración le vienen desde la infancia y nos comenta que son una constante en su vida, motivos por los cuales estudió diseño y estilismo. En cuanto a sus dotes como ilustradora, sabemos que no están relacionadas con estudios artísticos, declarándose completamente autodidacta.

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Quisimos saber cuáles eran  sus referentes en el mundo de la moda, tanto en diseño como en ilustración, y Marta demostró su buen gusto escogiendo a Valentino y a Arturo Elena.

Mi diseñador preferido ha sido, es y será Valentino. Su estilo puede resumirse como una continuación con la tradición de la alta costura del siglo XX. Es una alternativa al estilo andrógino y rectilíneo de Giorgio Armani y también a la exuberancia más excéntrica de John Galliano, Jean-Paul Gaultier y otros diseñadores más transgresores. Valentino no renuncia a la femineidad de la mujer, insistiendo en resaltar su silueta, todo ello acompañado por una exquisitez en acabados y calidades.

Sin duda mi ilustrador preferido es Arturo Elena. Sus ilustraciones me fascinaron desde el primer día. Su gusto por el detalle se traduce en ilustraciones en las que consigue una convivencia admirable entre el realismo de sus trazos y la exageración morfológica de sus figurines, que destilan personalidad.

A la hora de llevar a cabo sus ilustraciones, Marta se vale de diversas técnicas que elije en función de la filosofía y esencia del dibujo, pues nos cuenta que existe una estrecha relación: Bolígrafo para las composiciones de trazo rápido en donde “la propia historia” adquiere mayor protagonismo que el dibujo en sí mismo; rotuladores cuando la importancia la concentra el color; lápices acuarelables cuando la minuciosidad del trazo lo exige…. no existe una única técnica, y las ya existentes se van inventando sobre la marcha. Su condición de diseñadora la ha llevado a conocer y emplear también técnicas digitales, que aportan ventajas y efectos que a mano serían imposibles de conseguir. A pesar de los sorprendentes resultados que se obtienen con ellas, la ilustradora confiesa que la sensación de dibujar al estilo tradicional es única e incomparable.

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Como ya sabéis, en Couture on Paper nos interesamos mucho por la fotografía de moda, por eso le preguntamos a Marta su opinión en cuanto a las ventajas que puede presentar la ilustración frente a la fotografía: La fotografía nos ofrece la visión de una realidad objetiva, mientras que la ilustración es la muestra de una interpretación subjetiva que el ilustrador hace de esa realidad, poniendo en marcha la imaginación y la fantasía del receptor.

Por último, quisimos pedirle un consejo para todos aquellos jóvenes (y no tan jóvenes) que estén pesando dedicarse al mundo de la ilustración. Marta es breve, pero sus palabras derrochan optimismo: El único consejo que me permito darle a alguien que se quiera dedicar a la ilustración es que no desista en su empeño y que continúe con su sueño, yo lo hago cada día.

Esperemos que como bien dice, ella continúe con su sueño, porque nos encanta su trabajo. Muchas gracias a Marta Guillán por atendernos con tanta rapidez. No dudéis en visitar su blog, os aseguramos que no os va a defraudar.

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(¡¿Habéis visto que vestido de novia tan genial?! Amor a primera vista)

Kathryn Hagen

Kathryn Hagen, profesora de ilustración de moda en el Otis College of Art and Desing, tiene en Youtube una serie de videos muy interesantes. En ellos da consejos sobre cómo conseguir el efecto del raso, la gasa y las pieles. Si no tienes muy claro cómo hacer la cabeza de una mujer, una chaqueta, una falda con volantes de encaje o una blusa transparente, échale un vistazo.

 

À bout de souffle

Hoy le ha tocado el turno al icono de la nouvelle vague francesa: Jean Seberg en “Al final de la escapada” de Jean-Luc Godard. La fotografía de la película estuvo dirigida por Raoul Coutard, y en mi opinión hizo un gran trabajo. A raíz de su estreno, Jean Seberg se convirtió en uno de los iconos de moda de los años 60, trasladando de la pantalla a la calle su look parisino, sencillo y con una estética algo andrógina (sombreros, camisetas de rayas, camisas de hombre…).

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Pintura negra, pincel y agua para inmortalizar a la actriz estadounidense en uno de sus mejores momentos.

Espero que os guste.

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Alta costura sobre papel

Un recorrido por cuarenta años de moda que nos acerca a la mirada estética de Pedro Rodriguez

El pasado 16 de marzo llegó al Museo del Traje de Madrid una preciosa exposición de figurines y fotografías del modisto Pedro Rodríguez que podréis visitar hasta el 17 de junio.

En 1929, tras abandonar el taller donde había aprendido el oficio, Pedro Rodríguez abrió su casa de Alta Costura en Barcelona. Seis años después se mudó al paseo de Gracia y comenzó a presentar sus propias colecciones. Su consagración internacional llegó en 1929, cuando recibió un premio por su desfile para la Exposición Universal celebrada en la ciudad Condal. Al finalizar la Guerra Civil, Pedro Rodríguez abrió su segundo salón en San Sebastián, y en 1939 el tercero en la calle Alcalá de Madrid. El modisto alcanzó un gran reconocimiento en París, y por supuesto también en nuestro país. Contaba entre sus clientas a las duquesas de Alba, de Osuna y de Quintanilla, a Carmen Polo Franco y a la condesa de Barcelona.

En el archivo que nos facilita el Museo del Traje se cuenta como Pedro Rodríguez confesaba no saber dibujar, a diferencia de otros diseñadores como Christian Dior o Yves Saint Laurent que habían comenzado en la Alta Costura dibujando. En su caso, el origen de sus creaciones procedía del tejido: Una cosa es pensar hacer tal o cual modelo y otra muy distinta realizarlo, porque es la tela la que “habla”. Yo puedo soñar un modelo, una creación; después a medida que con la tela voy trabajando, ese “sueño” cambia en ocasiones para convertirlo en una realidad infinitamente más bella.

 Muchos fueron los dibujantes que trabajaron para Pedro Rodríguez, pero sólo conocemos el nombre de aquellos que firmaron sus trabajos. Marcelo Escartxell (1956-1970), Margarita Badía (1967-1970), Jesús Marüa (1968-1974), Ramón Gullón (1951-1953) y José Ignacio Sánchez Iberti (1962-1971).

Pedro Rodríguez se vio obligado a cerrar sus salones en 1978 con la llegada del pret-á-porter. Cayó así un imperio que ahora el Museo del Traje ha querido recuperar y mostrar al gran público. El principal objetivo de la exposición es recuperar el importante papel que tuvo el auténtico iniciador de la Alta Costura española.

En palabras de Helena López de Hierro, directora del Museo del Traje CIPE:

 Consideramos que esta exposición es motivo de especial satisfacción para nosotros. El Museo del Traje CIPE afronta una nueva etapa en la que, pese a las dificultades que nos plantea la coyuntura actual, esperamos dar un paso adelante en el que siempre ha sido nuestro objetivo: ofrecer un marco en el que la moda sea apreciada en toda su dimensión como uno de los fenómenos más interesantes de la cultura contemporánea

Against the odds

Qué importante es el papel de la mujer, tanto en ilustración como en fotografía de moda. La imagen cambia totalmente en función de la actitud de la modelo, generalmente sumisa. Lo que me fascina de Richard Avedon es su facilidad para romper los cánones y mostrarnos una modelo libre y capaz de tomar decisiones. Tremendamente original y creativo, así era este fotógrafo estadounidense que nos dejó hace ya ocho años.

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De todas sus fotos, intenté dibujar ésta porque el abrigo me encanta, y bueno, para qué mentir, me pareció la más sencilla. Fueron muchas las adversidades con las que tuve que luchar por el camino (dibujar con un lápiz de propaganda fijándote en una foto pixelada no es lo más recomendable), pero debo admitir que me hicieron el apaño. No está terminado, porque meterme a hacer el fondo con el lápiz del infierno era ya mucho pedir, así que lo dejé tal como lo veis.

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¡Espero que os guste!

No hay versus que valga

Esta mañana mientras iba en el autobús de camino a la universidad, una amiga y yo estábamos contándonos nuestras vidas y de casualidad ha salido el tema del blog (la verdad es que sin quererlo le estoy cogiendo cariño y ya me siento un poco blogger, pero eso es otro tema). A lo que iba. Se me ha ocurrido preguntarle qué opinaba sobre las técnicas digitales que utilizan ahora muchos ilustradores y su respuesta literal ha sido la siguiente:

Utilizar el ordenador para dibujar es una forma de camuflar los errores que cometerían sobre el papel. Así les queda bonito, pero con menos esfuerzo.

No he querido contestarle, porque Laura, como buena tauro que es, no iba a dar su brazo a torcer tan fácilmente. Pero me cabrea. Me cabrea muchísimo que la gente hable sin saber. Yo nunca me he declarado seguidora de las técnicas digitales porque, sinceramente, me gusta más el acabado de un pincel, un lápiz o un rotulador. Sin embargo, nunca me oiréis decir que trabajar con el ordenador tiene menos mérito que hacerlo sobre papel. Menuda tontería. Además, reconozco que otra de las razones por las que no utilizo técnicas digitales (aparte de porque me llamen menos la atención) es porque no las controlo todo lo que a mí me gustaría. Seamos sinceros, al igual que para manejar un pincel hay que tener cierta gracia, lo mismo ocurre con este tipo de técnicas.

Lo que intento decir es que enfrentar las métodos tradicionales con los digitales es de lo más absurdo. Todos son métodos, sin más, y cada ilustrador escoge el que más se adapta a sus gustos y a sus necesidades. Así que la próxima vez que alguien vaya a menospreciar el trabajo digital, por favor, que lo piense dos veces; o que intente él mismo llevarlo a cabo, y que después de estar dos horas luchando con el Illustrator, me lo cuente.

Peter Winnett

En 1969 nace en Canadá Peter Winnett, que iniciará su trayectoria como ilustrador de moda tras completar sus estudios de Arte y Diseño en la universidad de Nueva Escocia en 1993. Actualmente reside en Vancouver y dedica su tiempo a trabajar para importantes marcas internacionales como Victoria’s Secret, DKNY, Versace, L’Oreal, Dior…

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Peter Winnett es un ilustrador de lo más completo. No sólo se vale de lápices, acuarelas y acrílicos para realizar sus obras, sino que también se atreve con las técnicas digitales, obteniendo magníficos resultados.

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Lo que más me gusta de Peter Winnett es, sin duda, la fuerza que transmiten las mujeres que representa. Son bellas y elegantes, dejando de lado la fragilidad a la que nos tienen acostumbrados gran parte de los ilustradores. Dicen que Winnett crea mujeres peligrosas, y es cierto. Sólo él es capaz de conseguir que percibamos grandes dosis de sexualidad sin que nos resulte vulgar. Llamar a este genio para que realice una editorial ilustrada sobre tu firma es un acierto si lo que quieres es que el público la asocie a una mujer segura e independiente. Una mujer que viene pisando fuerte.

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Estas pinturas representan un tipo de desconstrucción cultural. Ellas son mi evolución artística desde una agradable apariencia a algo más distinto que cuestiona el status quo. En lo trabajos más recientes, los iconos populares y los símbolos se han combinado con una técnica expresiva para desafiar las convenciones y sugerir efectos inesperados, – una “marca hereje”. Mi enfoque es un choque de opuestos, – una tensión entre las expectativas existentes y nuevas sorpresas. Hago esto para generar una apasionada confrontación entre mi intuición creativa y la simbología comercial de las empresas.

(Peter Winnett)